Sayre Gomez miniaturizza le torri dei graffiti del centro di Los Angeles in una nuova mostra

Oceanwide Plaza avrebbe dovuto essere un trio di luminose torri ad uso misto nel centro di Los Angeles. Invece, le loro carcasse non finite sono state abbandonate quando lo sviluppatore ha finito i soldi per la costruzione da 1 miliardo di dollari nel 2019; Ora si ergono come rovine di ambizioni capitaliste e tele involontariamente spettacolari per audaci opere di graffiti. Un artista non può immaginare un buon monumento per una città dominata da uno sviluppo surriscaldato dove molte persone sono senza casa.

Di conseguenza, l’artista di Los Angeles Sayre Gomez ha creato un modello in scala incredibilmente fedele delle torri, ora visibile fino al 1 marzo nella sua mostra “Precious Moments”, alla David Kordansky Gallery. Creata da immagini della torre reale catturate tramite drone, la scultura è alta più di 8 piedi ed è sorprendentemente accurata, descrivendo in dettaglio ogni singola opera di graffiti, strutture di cemento e ferro e detriti di costruzione lasciati a casaccio sul sito. L’attenzione di Gómez nel ricreare queste sfumature non solo fornisce viste delle torri invisibili dalla strada, ma chiede anche agli spettatori di prestare attenzione ai simboli di spreco, abbandono e potenziale mancato nei nostri centri urbani.

L’opera può essere paragonata alle sculture di Chris Burden, ma con un taglio molto diverso. onere di”Metropoli II,“ Visto perennemente al Los Angeles County Museum of Art, una vertiginosa pista circolare per macchinine sfreccia tra scintillanti grattacieli. Evoca meraviglia per la densità e il dinamismo di una città fantastica. “Oceanwide Plaza” di Gomez, al contrario, raffigura qualcosa di reale e piuttosto distopico. La scultura evidenzia la vacuità del sogno di una crescita senza ostacoli così come avviene, in tempo reale, nelle nostre città.

Questo può rivelarsi un’istantanea crudele. All’inizio di questo mese, Los Angeles ha colpito la città Un accordo di uscita dal fallimento che risolve la controversia del creditore e apre la strada alla conversione e apre la possibilità della vendita. La scultura di Gómez diventa così una testimonianza importante di un momento prezioso: quello in cui i pori dell’avidità erano aperti affinché tutti potessero vederli.

Ciò che il modello non coglie è che i graffiti sulla torre sono spesso separati, come se lo skyline di Los Angeles fosse frammentato. Certamente, Writing One’s Name in the Clouds è un delizioso sfruttamento dell’avanzamento arrestato degli edifici, rivendicando uno dei pochi luoghi in cui natura e città si incontrano in modo affidabile. Gómez ha ripreso questo tema nei suoi dipinti fotorealistici, che spesso mostrano cieli drammatici con punti di riferimento urbani in decomposizione. “La spesa del gelato“ Raffigura un tramonto delicato e luminoso che starebbe perfettamente a suo agio in una rivista di viaggi o in un opuscolo religioso, ma è interrotto dalla massiccia cornice dell’insegna rotta di un negozio di alimentari. In “Vaccine Flag”, uno striscione verticale si inarca con grazia attraverso una morbida sfumatura di nebbia di Los Angeles, ma il tessuto dello striscione è così sbrindellato ed eroso che la pubblicità di un vaccino è appena leggibile. Il dipinto è una composizione pittoresca e un commento sull’erosione della fiducia del pubblico nella scienza.

Tali immagini richiedono un’interpretazione ironica del titolo della mostra, “Precious Moments”, che si riferisce a una frase Statuette da collezione, spesso a tema cristiano Raffigurano bellissimi bambini, per lo più bianchi, con occhi da cerbiatto e grandi teste. Solitamente impegnati in attività anodine, rappresentano la versione idealizzata dell’infanzia: piena di dolcezza stereotipata, innocenza e luce. Lo stile di queste statue consiste in due grandi bambole in una trave della galleria. Rappresentando i figli di Gomez, evocano qualcosa di più vicino alla realtà dei genitori: bambini adorabili, sgangherati e disordinati. Come “Oceanwide Plaza”.“ Sovvertendo l’immaginazione delle miniature, le bambole fanno lo stesso con le figurine da collezione, chiedendosi cosa rende un momento “prezioso”.

La mostra comprende anche murales raffiguranti un’immagine familiare dell’infanzia: l’immagine di un grave incidente stradale dell’autore di libri per bambini Richard Scarry. Il cacofonico accumulo di auto e camion guidati da una varietà di animali sembra una metafora della nostra società irrimediabilmente polarizzata, caotica e apatica. La gente fa così tutto il giorno! Mentre i libri di Scarry presentano tali catastrofi con colori vivaci e buon umore, Gómez mina l’allegria sovrapponendo al murale un’immagine quasi interamente nera di un campo tendato deserto di fronte a una casa distrutta da un incendio a Eaton. Sotto l’oscurità del caos.

Alcune delle opere più forti della mostra sono i dipinti sulle finestre, che raffigurano almeno tre spazi: cosa c’è dietro il vetro, la superficie del vetro contrassegnata da adesivi o segni e il riflesso all’esterno. Queste immagini sembrano piccoli mondi premuti contro la superficie di ogni dipinto, come gli schermi onnipresenti – telefoni, TV, computer – che abitualmente appiattiscono la nostra realtà. “La finestra dell’appartamento“ È quasi astratto, poiché racchiude una costellazione di adesivi di cartoni animati scrostati e sbiancati dal sole tra tramonti riflettenti e strisce cieche verticali. È un’immagine mistica, che suggerisce il declino delle gioie dell’infanzia. “Finestra“ Ancora più inquietante, il suo tramonto, le tende marroni accartocciate e i flaconi di pillole sostengono gli adesivi dei bambini con una sfocatura. La dura realtà – in questo caso, la malattia e la dipendenza – spesso non resta dietro le quinte.

Sono rimasto un po’ deluso nell’apprendere che i dipinti di Gómez non si basano su scoperte spontanee ma su un insieme di foto che scatta in giro per la città. Le immagini sono composte intenzionalmente, ma perché disegnarle? Perché non creare una stampa di grandi dimensioni di un collage digitale e concludere la giornata? Gomez ha lasciato almeno un indizio. Nel dipinto “Vertigo” l’immagine di un’auto chiaramente occupata da qualcuno viene visualizzata in una grande pubblicità con una donna sexy e paralizzata davanti a un edificio. Guardando da vicino, ho notato un sottile contorno nero tra l’auto e l’edificio, un frammento dello sfondo reale dell’auto. Incorporando questo artefatto nel suo processo digitale, Gómez riconosce che il soggetto del dipinto non è la realtà vissuta per le strade della città, ma piuttosto una proposta costruita. Trasformando tali proposte in dipinti, trasforma le sfuggenti immagini digitali in qualcosa di permanente e tangibile. I suoi momenti preziosi non sono reminiscenze di un passato idealizzato, né proiezioni di un sogno ansioso, ma interventi nel nostro complesso presente che rivelano strati belli e inquieti.